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Originalmente estaba proyectado un patio porticado para enmarcarlo aunque éste no llego a construirse, los edificios que en la actualidad lo rodean son posteriores. Sagrada Familia del Cordero, Museo del Prado). En la vestimenta de la Virgen Rafael utiliza un código de color simbólico de raices medievales. La escuela de Atenas. Fresco en las “estancias vaticanas”, etapa romana, ca. 1509-10. En 1508, recomendado por Bramante, Rafael acude a Roma encargado por el Papa Julio II de decorar una serie de habitaciones en el palacio de los papas en el Vaticano. 7,70 mts de base), que se acomodan a la forma de los lunetos que delimitan la bóveda. Ideas) y Aristóteles (con un gesto empirista, la palma de la mano abierta hacia el suelo). La escena está construida de acuerdo con las reglas de la perspectiva científica o matemática. Un punto de fuga situado entre las cabezas de Platón y Aristóteles sirve de vértice del “cono de visión” que organiza las líneas ortogonales. El interior arquitectónico, grandioso y monumental como las arquitecturas de Bramante, está magníficamente construido aunque sorprende la utilización de arcos y bóvedas de casetones a la romana en una escena de ambiente griego.

El estilo de las figuras muestra el cambio que la influencia de Miguel Angel produjo en la obra de Rafael. Son figuras monumentales, escultóricas, con una musculatura mucho más marcada que en su etapa florentina. En ellas abandona la dulzura y suavidad leonardescas y las sustituye por la fuerza y la rotundidad de Miguel Angel. La composición, en la que predominan las horizontales, es serena y equilibrada, dentro de las pautas habituales del clasicismo renacentista. El Greco en el Entierro del señor de Orgaz y Velázquez en Las Meninas). Retrato de un cardenal (Museo del Prado). Etapa romana, ca. 1518-20. La habilidad de Rafael como retratista, de la que ya había dado muestras en su etapa florentina, se pone de manifiesto en los retratos que realizó en Roma (Julio II, Baltasar de Castiglione, etc.). Interés por los fenómenos atmosféricos y lumínicos, preferencia por las escenas de tormenta, amaneceres y anocheceres. Gusto por los temas mitológicos dotados frecuentemente de un sentido oculto de corte neoplatónico.

Importancia del paisaje, cada vez más real. Uso de la llamada “paleta veneciana” caracterizada por el contraste violento de colores fríos y cálidos (platas, grises y azules que se contraponen con tierras, naranjas y carmines). Los pintores más importantes de la escuela son, además de Giorgione (La tempestad, Venus Dormida, El concierto campestre), Tiziano, Tintoretto (El Lavatorio) y Veronés (Cena en casa de Leví, Las bodas de Caná..). Tiziano Se forma en el taller de Giorgione, su pintura presenta un claro predominio del color sobre la forma. El Amor sagrado y el Amor profano (Roma. Es una obra de su primera etapa en la que el dibujo es todavía muy importante y la pincelada pequeña y minuciosa. El tema tiene un sentido profundo de tipo neoplatónico, dos mujeres (en realidad es la misma, vestida y desnuda), aparecen recostadas sobre un sarcófago clásico en el que juega con el agua un Cupido o Amorcillo.

Ambas simbolizan las dos caras del Amor. El Amor celestial, platónico, lo representa la mujer desnuda (la desnudez es sinónimo de pureza), en tanto que el Amor terrenal aparece representado por la mujer vestida, engalanada con ricas vestiduras (el atusamiento es signo de coquetería). Un canto al paganismo y a la alegría de vivir, al disfrute de los sentidos, típicamente renacentista y totalmente opuesto al teocentrismo del arte medieval. Retrato de Carlos V en la batalla de Mülberg, M. del Prado, 1548, óleo. Pintado en Augsburgo, poco después de la batalla en la que Carlos V derrotó a las tropas protestantes, representa al emperador a caballo como paladín del catolicismo. Inspirado en los retratos ecuestres romanos como el de Marco Aurelio (Carlos V, en tanto que emperador de Alemania era el teórico sucesor de los emperadores romanos), se convirtió en un modelo de retrato ecuestre para todas las monarquías. Rubens se inspiró en él para sus retratos de Felipe IV, y más tarde lo harán Velázquez e incluso Goya.

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